将大陆作为展览核心阵地，在自家做好展览这件事情

在单色里活成彩色 让作品与观者共生

还没忘记你。

蒋友柏接受本报记者专访。 　　四川日报全媒体记者 向宇 摄

雨露的力量。

天有多高，地就有多厚。

浴泡泡。 本版图片除署名外均由麓湖A4X艺术中心提供

下一段的起始。

□四川日报全媒体记者 肖姗姗

　　在艺术表达日益多元的当下，有人在色彩的绚烂里寻找共鸣，有人在单色的极致中探索自我。蒋友柏，这位40岁才踏入纯艺术领域的创作者，始终以独特的节奏解构艺术、与时代对话。
　　2026年3月，中国台湾当代艺术家蒋友柏携“万物有灵|万像”年度首展亮相成都。开展前夕，蒋友柏接受了四川日报全媒体记者专访。这一次，他以工业材料为墨，以东方写意为骨，在蓉城的艺术语境里，讲述关于自我、时代与艺术共生的思考。
　　
“万物有灵｜万像”首展受关注已有5000人次赴艺术之约
　　蒋友柏2026年度全国首展“万物有灵｜万像”落地成都后，关注度持续攀升。4月8日，记者从麓湖A4X艺术中心获悉，这场自3月14日启幕的专题艺术展，截至目前观展人数已达5000余人次。该展览由资深策展人许佩珊策划，展期将延续至5月5日，为观众带来近两个月的沉浸式艺术体验。
　　此次展览是蒋友柏首次以“单色”为主导的专题艺术呈现，共展出30余件全新创作的作品。老虎、大熊猫、龙等极具东方文化标识的动物形象，既是创作核心，也是艺术家最为钟爱的创作题材。蒋友柏在创作过程中，大胆融合钻石粉、汽车烤漆、亚克力、树脂等多元工业媒材，以极简的单一色调排除繁杂的视觉干扰，使作品呈现出坚固光滑的独特质感，甚至允许观众随意触摸。从不同角度看，作品能够折射出各异的光泽，地面会投射出灵动的水波纹，让看似简约的单色表达蕴含丰富的层次。每幅作品都搭配了艺术家原创的英文题诗，中文内容则标注在展签之上。这一设计成为他融汇东西方文化与审美的独特探索，也让观众能够从画面中感受到“减法艺术”背后的万象生机。

不惑之年入行不断检验自我能力
　　与多数二十出头便崭露头角的艺术家不同，蒋友柏的艺术之路，起步于不惑之年。“全世界比较知名的艺术家，一辈子到70多岁办展400多场，我40岁才入行，是不是要先赶20年的展数？”这份直白的自问，成为他近年密集办展的核心动因。
　　在他的艺术规划里，办展从来不是简单的作品陈列，而是自我精进的试炼与专业的验证。“第一个好处是让我借着这个目标不断精进，另一个是接触的观者、机构越多，越清楚自己是不是这块料，能不能在艺术专业里立足。”
　　这份“赶进度”的背后，是极致的自我要求：“我的展览每一次都是新作品，基本上不会出现旧作品，没有新作品我就不展览。”于他而言，每一场展览都是一次自我挑战，拒绝巡回式的作品展示，只为让观众看到当下最真实的创作状态，也让自己在不断的创作中，触摸艺术的本质。
　　而将大陆作为展览的核心阵地，源于他最朴素的创作观：“我不喜欢飞行，欧洲的邀约也有，但都没说服自己。更重要的是，在自家都没做好的事情，跑去国外撒野干什么？”这份扎根本土的坚守，让他的作品始终与当下的土地、当下的人，保持着深度的联结。

AI是对话者而非替代者不可复制方为艺术
　　　　当AI视觉大模型席卷创作领域，传统艺术的边界不断受到试探，蒋友柏的态度，既清醒又开放。
　　他坦言，自己每天的工作，都有一项内容：“看AI能不能画出我的画，目前它还画不出来。”这份自信，并非对新技术的排斥，而是对自身创作独特性的笃定。在他看来，AI的价值，不在于替代创作，而在于成为创作过程中的对话者：“我会用AI，但用法和别人不一样，我可以借此与所有已存在的艺术家对话，和梵高对话，和达利对话，它辅助我去思考艺术创作。”
　　而在工作室的数位影像创作中，AI早已成为重要工具：“三年前就开始大量使用，它降低了很多技术门槛和成本门槛，同时完全提升了创作效果，这在数位艺术里非常重要。”但他始终保持着对艺术本质的思考：“如果现在你没有办法拍出AI做不出来的影像，那摄影还算不算是艺术？”
　　在他的认知里，艺术的核心，在于不可复制的独特性：“我自己认为，如果可被复制的，就不叫作艺术。”面对AI带来的冲击，他毫无焦虑，反而乐见其成：“它会促使大家重新思考，今年我给自己设定的最重要的课题，就是思考要成为什么样的人，怎么活成一个人。”这份对“人”的坚守，成为他对抗技术同质化的核心底气。

单色是烙印亦是活成彩色的起点
　　本次成都个展，蒋友柏以“单色”为核心，全新创作系列作品。这组被他定义为“孤品”的作品，背后是他对人生、对自我的深度解构。“我之前就做过单色系列，但这次将其做成展览，短期内应该不会再这样创作，因为难度太高。很多作品在创作时，因为媒材、光泽度的问题，我真的不知道自己在做什么，只是凭感觉去做。”
　　选择单色，并非对色彩的舍弃，而是对自我本质的回归。“每个人出生时，都会有属于自己的颜色，随着社会教育与阶层结构的塑造，这个颜色会逐渐固定，这是不可避免的。但这并不意味着，凭借这个颜色活不出多彩人生。”蒋友柏直言，自己也曾想过挣脱与生俱来的“颜色”，但最终发现，“这是一个烙印，而烙印也没有什么不好，它就是你为什么独特的原因所在。”
　　于是，他将人生的独特性，凝练成单色的创作语言：“我这一辈子，都在试着用我自己的颜色，不管你现在看我是什么颜色，我都会活出我的彩色。”这抹单色，既是他对自我身份的接纳，也是对每一个生命个体的观照——无论被外界贴上何种标签，都能在自我的底色里，绽放独属于自己的光彩。
　　为了让这份单色的表达，拥有更长久的生命力，蒋友柏大胆运用工业材料创作：“除了设计师的背景，我喜欢探讨复合式媒材，这些作品耐用，用水泼、酒精泼、火烧，3分钟内都不会有问题。”他打破了传统艺术作品“娇贵”的桎梏，让艺术融入日常：“我希望大家去接触它，而且它越晒层次越多，阳光的颜色会让它的纹路、色彩发生变化。”
　　在他看来，工业材料的运用，亦是对“当代艺术”的深度诠释：“大陆的工业非常强，工业，能不能够转化为艺术？所有的当代艺术，都是用当代的材料在做，我就在思考，我的当代艺术该是什么样的。”这份思考，让他的单色创作，既蕴含东方美学的内核，又带有当代的时代印记。

作品是画框观者才是最后一笔
　　“我的作品绝非一个完成品，永远都只是一个画框，而观者，才是我作品的最后那一笔。”这是蒋友柏始终坚持的创作理念，也是他的作品充满生命力的核心原因。
　　在他的眼里，作品一旦诞生，便有了自己的命运，创作者无需过度干涉：“你觉得它是什么，它就是什么。”所以他常说，自己的藏家，“基本上都是在认养动物”，这些作品回到藏家的家中，会与他们产生持续的对话，成为生活的一部分。
　　这份对观者的尊重，源于他对艺术价值的理解：“我对自己的创作要求是，必须传递正向的情感，我没法接受回到家看到一幅画，每次看到都觉得人生毁灭了，就算他是再好的艺术家，我也没有办法把它放在家里。”在他看来，艺术的终极价值，是滋养生活，而非制造焦虑。
　　本次展览中，反复出现的动物形象，是蒋友柏对人心、对时代的投射，“动物不再是动物，它是一种人性的投射，一个时代的镜像，每一幅作品，都是我对当下的人和社会的映照。”而其中的“猩龙”形象，更是他的自我写照——猩猩与龙的结合，既是他属龙的身份印记，也是他对人生不同阶段的深刻反思。

结缘成都大熊猫情结藏着创作的期许
　　成都，是蒋友柏艺术之路上的重要坐标。早在2019年，他便来蓉做过设计演讲，太古里的“上下茶室”的设计出自其手，2021年的成都双年展，也有他的作品展出。“成都是舒服的”，简单的六个字，是他对这座城市最直观的感受。
　　而这份缘分里，藏着一个情结——大熊猫。“熊猫是最国际的动物，又黑又白又亚洲，全世界的熊猫，代表的都是快乐。”他坦言，自己早年间曾创作过一幅9米的《熊霸天下》，画了88只大熊猫，“用白描的手法，以油漆绘制，到目前为止都不拿出来展，因为我知道自己画不出来了，回不到当时创作的那个状态了。”
　　而此次来到成都办展，也让他对这座城市的艺术氛围有了新的期待：“馆长真的很用心，我的作品没办法用常态的方式呈现，他还在不断调整，希望让作品的美更好地展现。”他直言，麓湖A4X艺术中心的沉浸式人文景观，让他看到了艺术与空间融合的更多可能。

艺术的本质是融合与分享而非对立与割裂
　　　　在蒋友柏的艺术理念中，融合是一个永恒的关键词。无论是东西方文化的交融，还是不同艺术家之间的融合，抑或是艺术与生活的有机结合，都成为他创作的重要底色。
　　本次成都展，他与杨加勇、陈晓东两位大陆艺术家共同创作，这并非偶然之举，而是他长期坚持的创作方向：“从去年5月北京展开始，这会是我以后每一场展都会做的事。我想要把艺术的氛围，带回当代艺术在西方刚开始的感觉，它是一种融合。”
　　在他看来，当下的艺术圈，不乏表面和谐、私下互相否定的状态，“我自己不太喜欢这个状态，因为艺术应该带给人的是美好的东西。”如今有了一定的能力，他便希望打造一个融合的艺术平台：“价值观要趋同，我的就是你的，你的也是我的，你可以在我上面随便画，我可以在你上面随便作，这才是艺术的本质，它没有绝对的对或错，但有绝对的分享。”
　　　　而他的创作，本身就是一场东西方文化的融合。有人说他的作品有着西方式的大开大合，他却直言：“我不觉得它是西方，大开合最早的艺术概念其实是写意，简单线条勾勒的抽象，我们也早就有。”从小受大写意艺术的熏陶，让他的作品根深蒂固地带着东方的内核，而活在当代的他，只是选择了更当代的媒材，“用大写意的方法去做，泼彩，但是我泼的是漆。”
　　这种融合，不是简单的拼接，而是深度的“缝合”：“我的脑中随时有两个语言与世界并存，东方与西方。所以当我用英文思考的时候，其实写出来的是中文；用中文思考的时候，写出来的是英文。我的话，是一种缝，把东与西缝在一起。”

五十而知天命活在当下便是最好的创作
　　即将迈入50岁，蒋友柏身上，看不到丝毫的年龄焦虑，反而有着超越年龄的活力：“我孩子都二十几岁了，我确实是50岁，但我的身体状况，一定比你年轻。”这份自信，源于他“把每一天都当作第一天来活”的人生态度。
　　他坦言，自己从来不会去考虑未来：“你当下若没有好好生活，未来来了有用吗？你当下没有活好，就算明天怎么样，又有什么意义？”这份活在当下的通透，也融入到他的创作之中：“我只能诚实地去呈现现在在想什么，总不能够去想象十年后的我，坐在这边跟你讨论这幅画，太困难了。”
　　于他而言，艺术创作与人生，本就是同频的：“艺术不再仅是艺术世界内部的事情，作品与观者和接受者真正融合的瞬间，才是作品完成之时。”而人生的美好，也在于每一个当下的体验、每一次与世界的联结。
　　从设计师转变为艺术家，从商业领域踏入纯艺术领域，蒋友柏的每一次转身，都带着破釜沉舟的勇气，也带着对自我的深度探寻。他以单色为底，活出了五彩斑斓的人生；以作品为框，邀请每一位观者共同完成艺术创作；以融合为核，在东西方文化的碰撞中，寻找当代艺术的本土表达方式。
　　此次成都展，是他艺术之路的又一次全新探索，而关于艺术、关于自我、关于时代的思考，他仍在继续。正如他的作品，永远未完待续，永远在与每一个当下的人，产生新的共鸣。
　　蒋友柏的艺术，绝非高高在上的精英式表达，而是深深扎根于生活、真切观照人心的真诚创作。他借助工业材料打破艺术边界，通过单色创作阐释自我本质，以开放心态拥抱时代变迁，最终让艺术成为连接自我与他人、传统与当代、生活与美好的桥梁。
　　在蓉城的春日里，这场“万物有灵|万像”展览，不仅是蒋友柏的艺术呈现，更是一份邀请，邀请每一位观者，在单色的世界中，窥见自己的多彩人生，在艺术的框架内，书写属于自己的独特一笔。